以艺术之名，我要给你卖最惊艳的自拍背景
在过去几个月里，你的朋友圈是否出现过这类照片？
（图自 teamLab）
这个由日本数字艺术团队 teamLab 带来的展览，被媒体称为“可能是北京 798 艺术区有史以来最热门的一场展览”。虽然 150 元的门票只能换来限时参观，但展出两个月来天天都人头涌涌。
（自拍镜头外的展览，图自简书）
关于这个展览的报道里，大多都会很贴心送上如 “穿上白衬衫拍照效果最佳 ”、“要和最具代表性的作品合影 ” 等现场拍照小提示。毕竟，不少去看展的人，都是冲着拍照去的。
虽然，不少中国消费在今年才接触 teamLab 这种自拍性极高的艺术展览，但其实在国外，“art selfie（艺术自拍）” 的潮流已经发展了好几年。
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艺术自拍，一种从 “打卡” 演变而来的趋势
虽然自社交网络普及以来，不少人都在看展时都喜欢拍照来 “打卡”，但艺术自拍这个流行文化趋势，在 2014 年才得以奠定。
2014 年 10 月，美国娱乐界 “第一家庭” 的 Beyoncé 和 Jay-z 一家到罗浮宫参观。在清空的博物馆里，两人超近距离地站在《蒙娜丽莎》前合影留念，放在网上，然后，网友们就炸了。
（图自 Complex）
有人批评两人过分自恋，在伟大的艺术品前，只看到自己的模样和手机；也有人直接进入戏谑创作阶段，衍生了一堆 “恶搞图”；但还有更多人，有意无意间会受影响，并也开始（或更频繁）在艺术品前自拍。
我曾去过现代艺术博物馆，并发现每个人都在拍自拍发 Instagram。现在的艺术都变成这样了吗——你体验了，然后将它（拍照）发给全世界？
Jordan Ferney 在接受《连线》采访时说道，他创造了 “网红展览” Color Factory，我们在后面会聊到。
同一个月里，艺术团队 DIS 推出了一本名为《#artselfie》的图书，其中收录了大量网友在艺术品前留下的自拍。
（图自 《纽约时报》）
早在 2012 年 12 月，DIS 就构建了网站 artselfie.com。只是作为艺术节信息发布平台。当时 DIS 的成员在看展时，会以和展出品合照的方式记录艺术节内容，并上传到该网站。
（图自 Huffington Post）
不经意间，这个标签成为 Instagram 和 Tumblr 的热门标签。《#artselfie》一书中的内容，也大多来自社交网络。
（在兰登国际的实验作品 Rain Room 里拍照的年轻人，图自 Youtube）
和艺术品合照虽然一直存在，但在这一年里，它获得了流行文化中超级明星这一头部资源的助推，同时也得到了一本专注于该主题的纸质出版物，似乎是对这个文化进行了 “认证”。
（草间弥生的其中一个 Infinity Mirror Room，图自 ArtNet）
虽然到这个时候，已经有不少如 Rain Room 和 Infinity Mirror Room 这类自拍价值极高、具有互动性的艺术作品，但艺术品和摄影者之间的关系还是非常简单粗暴——为艺术家传达思想是艺术品的 “正职”，而被动地用作自拍背景，只是一个衍生品。
为自拍而生的博物馆
（图自 the cut）
这几年来，人们对自拍的热情有增无减，商家自然也不会放过这个赚钱的机会。
各大品牌手机越来越注重自拍技术的拓展，针对修图的 app 也多如牛毛，作为拍照重要一环的 “背景板” 也迎来大升级——过去被动作为背景的艺术品，如今要主动创造让你无法抗拒的自拍 “艺术空间”。
我留意到，像草间弥生（日本艺术家）的 ‘Fireflies on the Water（水上的萤火虫）’ 这类展览一下子就火了起来，引来大批观众。
受到这个启发，我觉得，如果给人们带来一种不同的艺术体验和概念，并且让他们成为展览的主角，应该是一个很有趣的尝试。
数字媒体公司 Refinery29 的联合创始人 Piera Gelardi 在接受《连线》杂志时说道，他们创造了一个名为 “29Rooms” 的艺术展览。
（图自 29Rooms）
到 2017 年为止，这个展览已经迈入巡回的第三年了，票价在 19 美元至 85 美元之间（约合人民币 99 元至 560 元），而且每次的门票都很快售罄。
（29Rooms 的其中一个房间，图自 wgsn）
“29Rooms”，正如其名，就是由 29 个主题各异的房间组成的一个展览。这里有巨型的雪球（snow globe）装置、贴满流行文化海报的房间、充满视觉错觉的几何装置等等。
（图自 29Rooms）
虽然，Gelardi 愿意承认在设计时会考虑可拍照性，但她并不同意这个展览就是为自拍而设，她认为展览中还是有探讨身体意象和性别等社会问题。
2016 年，美国年轻人又迎来了另一个以病毒式传播的艺术展览——Museum of Ice Cream。
在这里，有冰淇淋筒形状的吊灯和秋千、满屋子不同色调的千禧粉墙纸、瓷砖、充气泳圈、满池子的彩色塑料 “糖粒” 等等，处处都能成就一张完美自拍。
（图自 SFGate）
这也难怪经过三个城市的巡展后，Museum of Ice Cream 在 Instagram 上已经积累到 25 万粉丝，至少有 6 万多带 #MuseumofIceCream 标签的推文。
（图自福布斯）
参观的价格也从最开始的 18 美元涨到了 38 美元。而三藩市站为期 6 个月的展览，门票在开票后 90 分钟就售罄了。
而我们在前面提到的 Color Factory，是一个占地一千多平米的展览空间，提供了 15 种不同的色彩体验。
（Color Factory 中的黄色体验，图自 iHasCupquake）
而文章开头提及的 teamLab 数字互动展，和以上提及的几个艺术展具有一定共性：互动性强、可自拍性高、网络传播能力极强。而且，它们不像一般艺术展那样需要通过学习来进行解读，才能从中获取乐趣。
（图自 29Rooms）
它们的兴起，为艺术消费带了新思路，顿时间，即使在大众艺术消费算不上成熟的中国市场，也能掀起一番热潮。
teamLab 北京展驻场摄影师斯科拉·克鲁尼，一位长年游走于国际上不同艺术展的美国摄影师，也对中国消费者表现出对艺术的热情发出由衷感叹：“场馆外排起一百多米的长队，让我怀疑自己到底身在柏林还是北京。”
但这翻热闹，真的是来自对艺术的热情吗？
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到底是艺术还只是背景板？
（teamLab 的 “金浪”，图自 teamLab）
对于 teamLab 的展览，虽然选在艺术氛围浓厚的北京 798 艺术区开展，但国内艺术批评家王明贤对它的定义却是 “灯光秀”，而不是艺术展。
即便在日本国内，关于 teamLab 也存在不小争议，那就是他们的作品到底算不算艺术。除了作为青年男女取景拍照的地儿，看不出它到底传递给人们哪些思考。
王明贤说道。在他看来，这只不过是用炫彩灯光包装出来的一场秀，是一种单纯的体验，而作品本身也简单得不需要任何辅助说明。但艺术的精粹在于传达的思想，而不是耀眼的载体。
（截自腾讯视频）
艺术博物馆数字宣传负责人 Jia Jia Fei 在一次 TED 演讲上，也提出过类似观点：
像 Sol LeWitt 这类艺术家的作品中也有非常精美的彩色墙。
如果不结合解读语境，你也许会认为那也只是为拍 Instagram 而生的。但艺术家的作品的确有细微差别。它在讨论极简主义，以及这种艺术风格诞生的那个年代。
（Sol LeWitt 的作品，图自 Tate）
而《洛杉矶时报》的艺术评论家 Christopher Knight 则说得更加直接了断：
这些娱乐项目根本就不是什么艺术展览，它们就和快餐店里装饰的拱门以及乐高店里的展品一样。不过就更加势利罢了。
但这是否意味着这些展览毫无价值？答案当然是否定的。
它们具有很强的娱乐性，很合适年轻人的胃口，而父母也可以带孩子来玩。而这个娱乐性，也为它们带来了很大商业潜力。
其实，不少展览已经开始展现自己的商业价值了。
其中一家将 teamLab 引入中国的深圳文创投资公司绽放文创，不仅把 teamLab 的展带到了深圳欢乐海岸，同时还和 teamLab 合作在华侨城开了家数字互动餐厅。
（teamLab 合作餐厅，午餐 2388 元/人，图自搜狐）
而新开的上海万象城早已将 teamLab 收为合作对象，在商场中举办艺术展吸引人流，相信不久以后，更多房地产商业也会搭上这辆快速引流的 “网红” 车。
而风靡美国的 Museum of Ice Cream，在今年纽约站的展出，已经为多芬、Fox、Dylan’s Candy Bar 甚至 “约炮神 app” Tinder 推出主题展区，而 29Rooms 也接受了不少品牌的赞助来做主题互动区。
相对于毫无新意的推广活动，这些带有 “艺术” 标签的品牌互动，当然是更加有趣的营销手段。
但它们是否会启发我们，或者为我们审视世界提供一个新的角度？
嘿，咱们还是专心拍照吧！
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题图来自 teamLab
